1.了解你面对怎样的听众

录制小样前先问自己一个问题：“这个小样是要给合作专辑的制作人听听，便于其了解你的作品？还是寄给厂牌或媒体以吸引他们的关注？或者是放在社交媒体上给乐迷试听？”如果是给资历深厚人士或者对录音环节有熟悉了解的人，比方说制作人，那么尽量将专业性的东西表现出来，特别是以制作专辑为目标时，更是要注意清晰度、完整度。如果直接对外做宣传使用，要把它当做一张“准专辑”来制作，不但要适当做渲染、“母带处理”，还要突出表现最为抓人的部分，在有限的条件下突卖点。

2.不要太多虑

既然是做“小样”，那就尽量放轻松心态。在有限的时间和预算下，如果要去给每一个鼓单独拾音，去给吉他做double……试图达到美好会让你疯掉。毕竟这是“小样”不是“母带”，不是吗？

但这并不意味可以不顾任何录制知识瞎胡乱录制一通，相反，你懂得的录音知识越多，才越能找到快速到位录制小样的方法，这里说的不要多虑只是说能同期解决就同期解决，即使人声需要单独录，也可以同期把其他部分录好；能用专业立体声录音机录下就不要用一堆麦克风和声卡，否则你还需在后期做声像、混响，更增添了时间成本。

或许上面的说法有些，那么我们再来仔细划分——根据风格来决定小样的录制方法是一种很有效率的做法。摇滚乐队：在声场不错、设备不错的排练室中录制同期，或者演出现场收声；电子音乐人：一般电子音乐人都有音乐制作基础，基本上在电脑上完成小样制作；流行歌手：伴奏按乐队录制+MIDI制作的方法，再到录音棚录人声；

如果经费非常有限，就更要注意精简高效。能在个人工作室或者排练室完成就不要去录音棚，否则如果不能在有限的棚时内完成作品的话，这只会让你倍感压力，结果可能不太理想。

总之，小样的初衷是展现出作品的概貌和闪光点。就我的观点而言，录音时的表现比录音效果更重要，是否全情投入，让听众感受到歌曲的灵魂而不是某个精致的配器，这是最关键的。

3.关小失真，查找问题

这里说一个制作人Alex Newport和我讲过的故事。Newport曾经和At the Drive-In、Bloc Party、 The Locust合作过。在他制作The Locust 2003年的专辑时，他曾经给这只碾核乐队提出过一个对于他们来说难以完成的任务：在小音量和清音条件下演奏歌曲。这支习惯开大音量创作和演奏的乐队在这种条件下，发现了一些不曾发现的，被失真掩饰的错音。因此，在录制任何东西之前，如果你是一只很躁的乐队，不妨用这种办法检查一下，同时也可以锻炼演奏的精密准确能力，录出让专业人士也欣赏你的音乐功底的小样。

4.“犯下的错误可能是你的潜在意图/Honor thy error as hidden intention”

这句话出自Brian Eno的“Oblique Strategies”：当这位资历深厚作曲家/制作人在工作室中遇到问题时，他会在卡片上写下一些话以寻找启发和灵感。这一句也是制作小样的一句至理名言。对于乐队来说，现场同期录制的小样可能每次都略有不同。问问你自己：是什么让它们不同？是什么让其中一遍录音获得你们的最终选择？是否是一些“错误”让它脱颖而出？当聆听录音时，不要去扣错误，而是应该去发现有趣和当你身处演奏其中无法感受到的东西。

5.搞清楚：小样只是小样

第四条中我们强调发现并利用随机中的美，但这个法则也有辩证的一面。当你的将小样发给制作人，双方熟悉后开始做正式的录音室专辑时，如果想要制作一张和小样“一模一样”的专辑，是不现实的。很多制作人吐槽乐队无法摆脱小样中惯用的音色或表演模式，但在进棚正式录音后，制作人致力于录制录音室级别的声音。他们的特权就是去开发声音的较佳可能性，尽管母带中有的东西你非常喜欢（但需要抛弃）。如果你与一个成熟靠谱，对你的类型的音乐有丰富制作经验的制作人合作时，去相信和尊重他们的决定一定是有利的选择。