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不学音乐不知道,动画片《猫和老鼠》原来那么厉害!

摘自:哎呀音乐|2020-05-11 15:28|作者:哎呀妞

文章摘要:《猫和老鼠》,这部荣获了7次奥斯卡提名,80年了都还经常被引用和翻新的出色动画片,可谓是很难超越的一部传奇。

小编提示:这是一篇超过7000字的长文,作者将会从和弦、调性、音程、音域……等专业角度,为你揭开《猫和老鼠》音乐的秘密,强烈建议同学们一边看一边听,感受作者所分析的音乐片段的听感。如果手头比较忙,可以先收藏。


说到《猫和老鼠》,你们一反应都想到了什么?


脸被锅打成圆柱型的汤姆?被钢琴键连续捶打的杰瑞?无论你想到的是哪个场景,它一定是充满了及其的暴力、夸张的滑稽、诙谐的讽刺、却又有无脑的快乐。



那么问题来了:


1、几乎所有美产动画片都有这样的角色设立和剧情,是什么让《猫和老鼠》中的矛盾和暴力脱颖而出?

2、既是如此暴力,为何不会让我们觉得反感恶心,甚至越暴力就越好笑?

3、很多暴力的画面都夸张到不符实际,那我们又是如何在这个超现实的动画中感同身受的呢?

4、猫和老鼠几乎没有对话,我们又是怎么知道汤姆和杰瑞在想什么的?


这些看似很难回答的问题,其实答案很简单:因为音乐。


《猫和老鼠》,这部荣获了7次奥斯卡提名,80年了都还经常被引用和翻新的出色动画片,可谓是很难超越的一部传奇。它的成功绝非偶然。主人公之间的矛盾冲突,在动画界丝毫不新奇。视觉上的暴力升级,虽然是它脱颖而出的原因之一,但也没有到举世无双的地步。毫不夸张地说,音乐就是成就了《猫和老鼠》的主要原因之一。(注:这里所谈的《猫和老鼠》特指1940-1957年间的HB版本,也就是大多数人的“童年”,具体请见文末说明)


注意,我的用词是音乐,而不是配乐。


配乐,一般是为了配合情节发展,起到烘托气氛、铺垫情感和辅助叙述的作用。在《猫和老鼠》中,它的音乐不仅配合情节发展,还是主角汤姆和杰瑞的“语言”;同画面一起主导了故事的叙述;从听觉上制造了和视觉,甚至超过视觉的戏剧性效果。音乐的这些功能,也正是它的曲作家 斯科特·布拉德利(Scott Bradley)坚信的:“动画音乐的未来,应该是故事和音乐同样重要,且相互依赖支撑。”



虽然你可能不熟悉曲作家布拉德利的名字,但是他的作品你肯定听过。他的大胆创新和音乐的写作技巧,是古往今来学习动画配乐的学者都一定会研究的。


今天这篇文章,就和大家简要分析一下《猫和老鼠》的音乐到底“暴力”在哪?布拉德利又是如何从暴力中“保护”观众,让我们反而觉得幽默?又是如何用音乐把无声的主角变成“有声”? 


“重量、暴力和痛苦”


《猫和老鼠》,与其他同时期的动画片一样,是围绕着两个对立的主人公而展开的故事。而它脱颖而出的地方,就在于猫和老鼠之间的互整非常“暴力”,让那时正在面对目前冲突的美国观众找到宣泄。


可曾想过,现实中的我们很难去感同身受一只猫或一只老鼠所经历的事,那更何况是屏幕中和自己没有任何关系、没有任何相似的猫和老鼠呢?况且,动画里的剧情通常都很夸张,我们都清楚那是不真实的,可作为观众的我们,又为何可以感受得到猫和老鼠所经历的一切呢?但是,如果我们感受不到汤姆被耍的疼痛、杰瑞逃亡的危险,那这动画的乐趣也就荡然无存了。


巴黎第三大电影与视觉研究院(IRCAV)副教授、作曲家米歇尔·希翁(Michel Chion)曾说过,当我们在电影中看见一个东西掉下时,它所产生的声音必须要让我们感受到“重量、暴力、和痛苦”,我们才能感受到这个画面的真实感。因为画面中的物体毕竟不是实物,是没有重量或体积的,所以我们必须通过声音才能感受到它的重量和它的下落所带来的影响;通过声音让我们相信眼前的画面,从而感受到剧情。


他指出,在音乐中,“重量”通常可以通过乐器的音域来表达;“暴力”可以通过复杂或快速的旋律来传递;“痛苦”经常通过刺耳不和谐的和弦和声等来表达(当然这也不是的方式)。


在《猫和老鼠》的音乐中,我们不难听到类似这样的运用。音乐与画面的同步叙述,不仅让剧情更加生动形象地呈现在我们面前,从听觉上增强了视觉的真实性,更是巧妙地补充了画面以外的故事,让暴力更加“暴力”,从而让我们更深刻地感受到这份“暴力”。


比如,在“猫的协奏曲”(Cat Concerto)中,当杰瑞一次从钢琴白键下探出来脑袋看情况的时候,汤姆的手突然从中音区域跳到高音区域,反复弹同一个白键来“捶打”杰瑞。


从画面上来,我们并无法确定汤姆捶打杰瑞的手指用了多大的力气。但是,从音乐上,我们听到这个用来捶打杰瑞的“音”,音量比汤姆之前弹的部分要大声,音高也要更高,从而感觉出了汤姆捶打杰瑞的手力比刚才演奏的力气要大。


随之,杰瑞开始在白键下到处乱蹿,从右跑到左,左跑到右,音乐也随着杰瑞的步伐,音高从高到低,从低到高地来回反复。这一段旋律由于指向性不明确,让我们感受到了杰瑞的慌乱。


而这流水般轻柔的旋律线条和紧接着汤姆双手按下的终止和弦形成了强烈的反差。这样的反差让观众直观地“听”出了汤姆的用力,从而体会到了汤姆的愤怒。


获得了一个胜利后,汤姆继续认真地演奏钢琴曲。此时的杰瑞在钢琴内部,被汤姆的演奏“弹”得四脚朝天。音乐主题的重复,让观众“听”出了汤姆整了杰瑞一次又一次。同时,我们也感受到汤姆的心情越来越好,因为它演奏的节奏越来越欢快,音域越来越高,主题也越来越明朗。


好不容易,杰瑞被“弹”出了琴槌和琴弦的区域,这一段折磨暂时告一段落。不服输的杰瑞抓起了两个琴槌,开始了新一轮的旋律。杰瑞拿琴槌锤出的这段篇章,速度更快,节奏更紧凑,音域也更低。这和刚刚结束的汤姆的演奏再次形成了对比,让我们听出了杰瑞的愤怒和要整回汤姆的决心。


这段旋律继续发展,紧张的情绪越来越浓。终于,这段旋律结束在了两个属和弦上,音乐上制造出了急需被解决的听感。正在汤姆以为这段较量终于要结束的时候,杰瑞突然又开始了新一段的“捶打”。这一次的旋律,主题和之前一样,但却升调了,这意味着它们之间的较量再一次升级。这段旋律再次结束在两个听似急需被解决的和弦上。


当我们(和汤姆一样)再次以为这是终点的时候,旋律再一次响起,并且调再一次升高。虽然画面上已经看不到杰瑞,但我们根据同样的旋律动机可以判断出,毫无疑问,杰瑞整汤姆还没整够。但是这一次,属和弦终于被解决了!音乐的结束,让我们知道这场闹剧终于到此为止。


有趣的是,在很多片段中,我们并没有看到杰瑞和汤姆同框出现。如果单从画面的角度看,有些画面就像一只猫在演奏;或者是一只老鼠在钢琴里翻滚。正是通过音乐的环环相扣,层层递进,我们才知道这是两个角色之间的较量,并且它们的矛盾在持续升级中。


我们通过音乐、音高、旋律、主题、节奏、速度等音乐元素的变化,直观地感受到了汤姆锤杰瑞的“重量”、杰瑞一次又一次升级的“暴力”、和汤姆最终被整得半死的“痛苦”。

越暴力,越让你好接受


布拉德利最厉害的地方,就在于他能用音乐让猫和老鼠之间的火药味更加升级,碰撞更加暴力的同时,也能用音乐做足了铺垫,让暴力发生的时候,观众更容易接受,不会感觉到太突然或者引起不适。这样的双管齐下不仅增加了剧情的趣味性,而且巧妙地将夸张的“暴力”转化为捧腹一笑。


他是如何做到用音乐让“暴力”升级的呢?答案就是布拉德把音乐和音效很出色地结合在一起。


可能很多朋友会把音乐和音效当成两种很不同的东西。的确,音乐的定义是有规则的声音组成的,并且通常有一定篇幅的声音;而音效可以是无规则的声音,也可以是很短促的,通常用来辅助视觉效果。在我们的教育体系中,音乐和音效的课程往往也是分得很开——音效一般归属于影视方面的声音制作。


《猫和老鼠》中布拉德利打破传统音乐思维的一点就在于:他并没有把音效和音乐区分成两种不同的东西。他不但不排斥音效,反而很巧妙地将音效结合在自己的作曲当中,甚至会用音乐去加强音效的效果。



比如,在“浪漫小夜曲”(Solid Serenade)这一集里,当杰瑞跑到水池旁,把水池中的水抽空,只剩下一堆碗碟时,观众已经预感到汤姆马上要有危险了。这时,布拉德利弹了一个很不和谐的和弦——“惊悚和弦”(由于布拉德利经常会用这种很不和谐的和弦,有学者把布拉德利的这一手法统称为“shock chord”,这里直译“惊悚和弦”,作为布拉德利的作曲技巧特色之一)。


在这个惊悚和弦的基础上,布拉德利又加了个快速的鼓声(drum roll)来将紧张的气氛推到较高潮,直到汤姆脸部直击碗碟的音效出现。在汤姆脸撞击完碗碟之后(这也是这部分视觉上的较高潮),这个惊悚和弦又弹了几次,表示这个撞击的痛还在持续,让观众更深刻地体会到汤姆的痛,有效地放大了视觉上的痛苦。


在这集的下半部分,当汤姆追着杰瑞跑时,我们听到弦乐一直在重复弹一个由三个音符组成的动机,这个动机在重复中逐渐降低音高,由此来暗示观众我们在正在逼近一个故事的转折点。同时,布拉德利也用长号的声音来暗示观众——危险(大狗)即将在前方出现。


果不其然,最终汤姆跑到了被它自己捆绑的大狗跟前。这时的音乐来了个渐慢的滑奏,让观众预测到汤姆即将停下追杰瑞的步伐。


在滑奏的结尾,我们听到了由管乐和木管启奏的一个和弦,这个和弦正和之前汤姆在唱“Is You Is, Or Is You Ain’t My Baby”时被打断的那个和弦是一样的。这样的音乐暗示,让观众可以预感到,接下来大狗要和汤姆算一下之前汤姆欠下的那笔账。


这样音乐上的铺垫,一方面放大了音效出现时的效果,把剧情更加推向高潮,让视觉上的冲击更加强烈;另一方面也让观众能够很自然地预测到接下来即将发生什么,从而做好心理准备,接受更大的暴力冲击。更有趣的是,布拉德利通常会将音乐上的撞击提前1、2秒钟——让观众“先听到再看到”这一动作。


也就是说,布拉德利在用音乐放大动画里的“暴力”的同时,也在用音乐“保护着”观众,让观众预知要发生什么,先听到再看到,来缓解视觉上的冲击。

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用音乐“说话”


《猫和老鼠》和当时许多大制作的动画片最不一样的地方,就在于它几乎没有台词,除了汤姆猫被整到很严重时的尖叫和嘶吼(顺便说一下,早期汤姆的声音都是它的制作人William Hanna自己配音的)。


虽然主人公的表情和动作可以一定程度上传达给观众他们的反应,但是布拉德利用音乐铸造了一条让我们可以直接了解到人物内心想法的桥梁。


和语言一样,音乐是有一定的逻辑句法规则的,也就是我们常说的“乐理”。可能很多朋友听到这个词就有一点抗拒心里,觉得像数学一样,需要去学习,很难掌握之类的。


其实,就算一个完全不懂乐理知识的人,他也是能“感受到”乐理的。


比如,大调的音乐通常让人感觉比较明亮开朗;小调通常让人感觉比较伤感、灰色一点;有些和弦让人感觉不和谐,需要被解决;交响乐的最终会回到一级和弦让你感觉到它结束了,等等。


正是因为音乐存在了一定的逻辑,所以音乐也可以像语言一样,让观众领悟到主人公的思想和心理。在“真假猎犬”(Puttin’On The Dog)中,当杰瑞被汤姆追的时候,布拉德利用“无调性音阶”的十二音体系来演义杰瑞的脚步声(图a)。和我们熟悉的有调性音阶(比如大小调)不同,无调性音阶指向性不强烈,换句话说,听觉上,我们无法预测下一个音/和弦应该是什么,就像我们无法预测杰瑞要往哪里跑,下一秒会发生什么,它是否会被汤姆抓到?我们都不知道。而杰瑞的心理也正如这无调性音符所暗示的,它也不知道自己在做什么,毫无思绪地只知道一阵乱跑。



(图a)


类似这样的音乐隐喻在《猫和老鼠》中无处不在。布拉德利曾在自己的文章“Personality on the Soundtrack”中提到,贝多芬的交响乐作品,不止步于模仿每一个角色的声音;而是会用音乐去赋予每一个角色它独特的性格。这也正是布拉德利所崇尚的。


因此,在他的作曲中,他会更侧重去抓住每一个角色的性格,以及在当下的动作和情绪等,而不是像一般的曲作者那样,用音乐去烘托一个整体的氛围而已。


引用现有音乐区分不同纬度的空间


在《猫和老鼠》问世之前,动画配乐经常会大篇幅地引用当时的流行音乐或现有音乐。引用前人的音乐是能让观众明白音乐想要表达什么的最快捷的方式。


假设我们在餐厅听到生日快乐歌的时候,我们会知道今天餐厅里有人生日了;结婚的时候会放结婚进行曲;哄小孩睡觉时候一般唱安眠曲;葬礼的时候会放葬礼相关的歌曲……同理,很多已成型的歌曲,被人熟知后,便生成了它独有的定义。


在“偷懒的猫”(Sleepy-Time Tom)这一集中,布拉德也通过对众所周知的歌曲的的改编,来传达汤姆的感受。比如,当汤姆猫努力保持清醒的时候,背景音乐却是摇篮曲的改编,这让我们知道,汤姆猫其实非常困了,想睡觉了。


但是,和其他同时期的动画片相比,这样的引用在《猫和老鼠》中并不多见。布拉德利并不喜欢引用音乐,他更喜欢写自己的原创音乐。因此,他的引用通常都很简短,并且会故意和自己的原创音乐隔开。不过,《猫和老鼠》中也有出现过大篇幅的音乐引用,但是这样的引用通常是布拉德利特意为了剧情所创造出的另一维度的表演空间。


在“浪漫小夜曲”的开场里,汤姆用低音提琴演奏并演唱了 “Is you Is, Or Is You Ain’t My Baby”来表达自己的爱意。


它的低音把杰瑞从床上吵醒了;杰瑞随之跟着汤姆弹的每一个音开始震动,导致了它最后的生气,用苹果派两次砸向了汤姆的脸,才让它停止了演奏。毋庸置疑,杰瑞这样打断的行为也惹毛了汤姆,让汤姆又开始追赶杰瑞。这时,我们听到音乐一下子由引用音乐转向了典型的《猫和老鼠》的音乐。


这两种音乐之间停顿了几秒钟,可见布拉德利把两种音乐风格区分得很开;而且这里,他选择用引用的音乐和原创音乐作为对比,来区分剧中的表演空间:引用音乐之处是剧情中的汤姆虚拟的表演空间;而他的原创音乐则用在剧情的自然发展空间中。

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幽默的音乐不需要好听


对《猫和老鼠》最重要的,无非就是两个字:幽默!


布拉德利曾在自己的文章“Music in Cartoon”里调侃道:“我的部分是最简单的!我只需要写‘搞笑的音乐’就可以了!”


但事实是,搞笑的音乐并不简单;它也是严肃的音乐。他认为音乐的搞笑源于它破坏了常见的规律,比如在弹一个C大调音阶时,你在最后突然弹了个C#,那大家就会觉得好笑了。布拉德利的搞笑方式,就是在常规的音乐手法上,加上创新的和声方式或者打破传统的乐器编排,来达到出人意料的效果,从而博得观众一笑。


文章中,他举了这样两个例子。如果你只是弹一个D减七和弦的分解,这听起来就是普通的和弦分解,没什么特别。但这时候,如果同时在底下加一个A减七和弦的分解,也就是形成四度音的音阶,并且加快分解的演奏速度,这时候这个旋律就变得很有趣,不和谐的感觉加重了,同时音乐也比较现代了(四度音是比较现代音乐中的运用)。


再比如,你可以弹一个简单的半音阶上行,左右手八度(图b),来表达主人公向上蹿的动作。但这样听起来就像练琴一样无聊了。如果这时候,我们右手弹G和C,左手弹B和D#,同样半音阶上行(图c)。如此一来,同样是半音阶上行,人们可能会被你的和声误导得听不出来。同时,图c出来的效果却比图b的紧张感、不和谐感,要强烈了很多倍。


用布拉德利的原话说:如果你尝试这样演奏(图c),“小心你的邻居可能会从窗户给你砸鞋子过来!到时别怪我!”



(图b)


(图c)



如果你在乐器上尝试了这两种弹法后,你可能会说图c的弹法,弹出来确实不好听。的确,图c的和弦是不和谐的。但是再次引用布拉德利的原话:


“别忘了,这里我们是在努力让音乐听起来(和画面一样)滑稽,音乐是不可能同时滑稽又美丽。” 


布拉德利在音乐技巧上的纯熟,和他大胆的尝试,使他创造出了属于自己独特的“搞笑”风格,供世人敬仰。


毫不夸张地说,成就《猫和老鼠》这部动画片的不仅是视觉上的幽默和夸张,更是音乐上的创新。音乐的角色不再停留于“背景音乐”,它也可以像“音效”一样来凸显画面效果;可以像“对话”一样来叙述主人公之间的故事和画面外的剧情;它可以比视觉更暴力更幽默,让“暴力”更“暴力”的同时,也能帮观众更舒服地接受“暴力”。


而关于作曲家布拉德利,他留给我们的音乐语言和独特犀利的音乐触觉,也不是一篇文章就可以解释清楚的。除了文中提到的这些,让我印象深刻的还有他在选择乐器时的大胆和果决。


很多作曲家,配乐家都认为得用大交响乐团演奏出来的效果会是最饱满的;但布拉德利并不觉得;很多时候,他并不怯于用单个乐器来诠释角色。他和其他作曲家很不同的还有一点,就是他觉得没必要一定要围绕着一个主题动机来创作。


他特别喜欢创作,喜欢为同一个角色,根据每集的故事变化,创造出许多不同的动机、不同的音乐。所以哪怕你看了无数遍《猫和老鼠》,你可能都还是哼不出其中的一段音乐。


布拉德利的音乐、《猫和老鼠》的音乐,值得我们学习的地方有太多了。除了今天和大家分享的这些点,还有它出色融合了古典音乐、爵士音乐、流行音乐等多种元素等等。


一篇文章只能略点皮毛,但希望至少大家以后去看《猫和老鼠》的时候,可以多留意一下它的音乐,那也足矣。


*文末说明


这里顺便科普一下,前不久网络上疯传的“《猫和老鼠》导演去世”掀起了大家一阵阵感叹——什么“他把汤姆和杰瑞永远留给了我们”;什么“陪伴我童年的”动画片导演去世了……之类的。这些说法都不是很准确,甚至有点……尴尬。


去世的是导演吉恩·戴奇(Gene Deitch)。他也是一位非常出色的插画家、动画片制作者、漫画家、导演。他确实曾经是猫和老鼠的导演,但是他仅负责了1961-1962年间捷克外包制作版的13集猫和老鼠的制作。而这13集恰恰就是开头提到的,被很多铁粉称作是猫和老鼠的“黑历史”。戴奇在之前采访中都大方承认过自己做的猫和老鼠不被看好,收到很多差评,甚至还收到铁粉的威胁信。


当然,这并不是因为戴奇不够高品质,而是因为低预算,以及团队对原著完全不熟悉等各方面的问题,导致的遗憾结果。和大家说这些,并无对逝去的人有冒犯之意。相反,正是抱着对这位导演的尊重,希望大家不要仅拿这个作品去定义他认识他。他还有非常得意的其他作品,值得大家赞赏和缅怀。


这里,为了方便大家理解,请原谅我简单粗暴地概括一下《猫和老鼠》的历史,我把它80年的历史分为四个阶段来理解:


1940-1957 Hanna & Barbera版

这个版本应该才是陪伴很多人童年的版本,也是今天本文中着重分析配乐的版本,是由William Hanna和Joseph Barbera共同指导创作的。


1961-1962 Gene Deitch版

这个版本一直被网友吐槽的除了画风不同以外,还有它的音效很糟糕,音乐细节上也和前一个版本无法比较的。故事剧情好像也没那么幽默了,而且时不时汤姆还会说些尴尬的话…


1963-1967 Chuck Jones版

也是画风很不同了,但估计因为之前Gene Deitch的版本已经让人吐槽无力了,这个版本可能看的人就更少,或者没那么较真了,相比而言没被吐槽得那么严重……


1970 – 新Hanna & Barbera 版以及更多新翻版…

虽然找回了原创导演,但这几集也是比不过最早的高品质了。毕竟曾经太出色了,确实有点难超越,难免失望。



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